La misión de Despacio es continuar con el trabajo que ha desempeñado en la última década: la exploración persistente de nuevos modelos artísticos y prácticas curatoriales, a la vez que se mantiene como una fuerza elemental en el continuo desarrollo de la voz artística de América Central.
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Punto de vista

ArchivadoSe realizó en mayo 2016
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Despacio

Con motivo de la siguiente Edición del Art City Tour Despacio presenta por una noche una increíble selección de películas de arte, ensambladas y producidas por el New Museum en Nueva York. Punto de vista: una antología de la imagen en Movimiento será proyectada en una habitación de Despacio, que hasta la fecha no ha sido accesible al público. Será en el segundo piso del edificio.

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Point of view – Punto de vista

Reúne 11 nuevos proyectos de video comisionados especialmente por el New Museum of Contemporary Art de Nueva York, a destacados artistas que representan diferentes generaciones y diferentes perspectivas culturales: Francis Alys, David Claerbout, Douglas Gordon, Gary Hill, Pierre Huyghe, Joan Jonas, Isaac Julien, William Kentridge, Paul McCarthy, Pipilotti Rist y Anri Sala.

Point of view, es producida por Bick Productions y el New Museum of Contemporary Art. Esta Antología, fue concebida para hacer accesible el trabajo de algunos de los más destacados artistas que trabajan con video, cine e imágenes digitales en la actualidad.

La proyección será el 11 de mayo del 2016, de 5-9pm en el segundo piso, Despacio. Luego de esto se mantendrá el horario de viernes y sábado de 2-7pm.

Aristas y películas estarán incluidas en la antología:

William Kentridge (Sudáfrica, nacido en 1955)
Automatic Writing, 2:38 min

William Kentridge ganó la atención internacional por sus películas de dibujos animados Felix in Exile: Geography of Memory (1994), History of the Main Complaint (1996), y Weighing…and Wanting (1997), que exploran la historia y la psicología del apartheid sudafricano. Sus películas se derivan de dibujos al carbón que se desarrollan dentro de un proceso de borrado. En palabras del historiador del vídeo Michael Rush, "Kentridge trabaja en una corriente de conciencia que permite a las impresiones y los destellos momentáneos a tomar forma y luego ceden a nuevas imágenes, sin ninguna pérdida de impulso; de hecho, todo lo contrario; el impulso se acumula con cada cuadro”. Con reminiscencias del surrealismo, la película de Kentridge Automatic Writing explora el punto donde el escribir y dibujar se intersecan.

Isaac Julien (Británico, nacido en 1960)
Encore, 4:38 min

Isaac Julien es director de cine negro preeminente de Gran Bretaña, así como un artista, escritor, e investigador reconocido internacionalmente. Fue miembro fundador de Sankofa Cine/Video colectivo, creado en el Reino Unido en la década de 1980 para protestar contra el racismo británico y para formar una nueva política de la representación. Sankofa creó un nuevo género que impugnó el realismo de los movimientos tanto documental británico y de largometrajes de ficción. Los trabajos más conocidos de Julien son meditaciones biográficas de la vida de los autores negros influyentes. El primero de ellos es Looking for Langston (1989), ampliamente considerado como un texto fundador de New Queer Cinema, que examina la vida, la política y la sexualidad del poeta renacentista Harlem Langston Hughes, centrándose en particular en el subtexto gay inhibido por el escritor Hughes. Sin embargo, más poético que didáctico, las películas de Julien se caracterizan por su imaginería onírica y sensualidad. En los últimos años, se ha alejado de la pantalla individual hacia el uso de múltiples pantallas. Él ha declarado que esta disposición le permite explorar ciertas ideas de composición que son imposibles con una sola pantalla y contrarresta una especie de "conservadurismo" en la forma en que el espectador percibe las imágenes en la pantalla. A través de su intenso compromiso de trabajo del placer visual de Julien también busca exponer, desviar, y reconstruir la mirada cinematográfica, la exploración de cuestiones relacionadas con las cuestiones de raza, género y diferencia sexual. Para Encore, Julien volvió a trabajar tomas falsas de su tiempo de tres canales en la pieza de proyección Paradise/Omeros (2002) que se refiere a la diáspora africana y la búsqueda emblemática para la "nueva vida" en un Nuevo Mundo.

Paul McCarthy (Americano, nacido en 1945)
WGG (Wild Gone Girls), 5:20 min

Con sede en California y activo desde finales de 1960, Paul McCarthy ganó el reconocimiento por su intenso trabajo de vídeo basado en el desempeño en temas tabú como el cuerpo, la sexualidad y los rituales de iniciación chamánicas. Su trabajo también ha explorado temas de la violencia y la disfunción que se relacionan con conceptos sacrosantos de familia y la infancia. Para llegar a la parte más vulnerable de la cultura popular estadounidense a menudo se producen mitos e iconos culturalmente cargados, tales como Heidi y Pinocho, en el contexto de la familia, géneros de psicodramas de Hollywood, y medios de comunicación. La incorporación de embutidos y carne picada, salsa de tomate, mayonesa y salsa de chocolate, distorsiona sus trabajo y muta estas narrativas familiares en cuadros inquietantes y carnavalescos. Debido a la naturaleza impactante de la gran parte de la obra de McCarthy, sus aspectos innovadores, así como sus raíces históricas han tendido a ser pasadas por alto hasta hace poco, cuando varias de las principales exposiciones en museos tomaron una mirada más cercana a su cuerpo influyente de trabajo. El trabajo de McCarthy tiene que ser visto en relación con las actuaciones descaradas de política y sexuallidad de los accionistas vieneses de los años 50’s y 60’s, así como las tradiciones del arte de los performances de los 60’s. "Pero mientras que el trabajo de los Actionists trataba de la sangre", McCarthy ha señalado, "mi trabajo es realmente acerca de la salsa de tomate," indicando la fábrica de fantasías de Hollywood, la importancia de jugar más a menudo el entendimiento de las comprensión de sus actuaciones en las presentaciones gráficas.

Gary Hill (Americano, nacido en 1951)
Blind Spot, 12:27 min

Hill es uno de los pioneros del videoarte. Ha completado su primer video de un solo canal en 1973 y comenzó a producir instalaciones de vídeo, ya en 1974 , que emplea constantemente nuevas tecnologías para ampliar el vocabulario de su trabajo. Uno de los principales intereses de Hill es la naturaleza conceptual de los medios electrónicos, en particular su relación con la escritura, la voz y el cuerpo. En el cortometraje Blind Spot, extraído de las instalación de acordeones mayor de cinco canales de julio de 2001, el artista examina el umbral de la lengua, donde comienza y termina. Aquí, los gestos y las expresiones faciales actúan como un sustituto de la lengua. Disparo en el barrio árabe de Marsella , la cámara señala a un hombre en una multitud. A medida que la cámara se acerca lentamente , la imagen se ve interrumpida por el aumento de los segmentos negros para crear un casi retrato fotográfico inmóvil. Tras los acontecimientos del 9/11, no se puede dejar de interpretar este encuentro en término de política.

Joan Jonas (Americano, nacido en 1936)
Waltz, 6:24 min

Desde la década de 1960, Joan Jonas ha sido una figura clave en el campo de los performance y el video-arte. Formado en la historia del arte y la escultura, las primeras obras de Jonas examinaron el espacio y los fenómenos de percepción, elementos de la danza, el teatro moderno, las convenciones del teatro japonés Noh y Kabuki, y la fusión de las artes visuales. Jonas comenzó a utilizar el vídeo en performance en el año 1972, la incorporación de una cámara en vivo y un monitor que funciona como espejo y tanto el dispositivo de enmascaramiento. Su investigación de la subjetividad y la objetividad se articula a través de un vocabulario personal del gesto ritualizado. A menudo la realización de máscaras, velos, o trajes-situados al aire libre en con entorno natural o industrial, Jonas utiliza disfraces y máscaras para estudiar los significados personales y culturales de los gestos y símbolos femeninos. La estratificación de los espejos e imágenes espejo es uno de sus dispositivos más potentes metafóricos, volviendo al espectador a ese momento de la formación del yo descrito por Jacques Lacan como escenario espejo. Su trabajo ha implicado siempre una preocupación por los asuntos feministas: "Siempre hay una mujer en mi trabajo, y su papel está en duda." En los últimos años, Jonas ha estado desarrollando el trabajo que se extiende a las preocupaciones de piezas anteriores con un énfasis particular en las nociones de lo visual. Su reciente pieza Lines in the Sand for Documenta 11 es una meditación subjetiva sobre el destino de uno mismo y de la civilización. Utilizando muchas de las técnicas formales del artista profundamente personal, Waltz incorpora la mitología en su narrativa junto apariciones espontáneas de eventos, reiterando la posición importante de Jonas en el desarrollo de ambos, recientes formalistas y videos feministas.

Pipilotti Rist (Suiza, nacido en 1962)
I Want to See How You See, 4:48 min

Al igual que muchas jóvenes europeas de su edad, Pipilotti Rist fue remachada por el cuento de Astrid Lindgren, chica-heroína , Pippi Longstocking; tanto es así, ella por ahora su famoso nombre mediante la combinación del nombre su mascota del personaje de capa y espada de Lindgren. Conocido por colores saturados, imaginería sensual, y un uso no convencional del espacio y escala, Rist es fluida en un lenguaje visual que abarca aspectos de los medios de comunicación y video experimental, enfrentándose a broma el altibajo debate; ella compara el medio de vídeo “paintings behind glass that move". Una de sus obras más conocidas es el trabajo de piezas de proyección de dos canales descaradamente feministas, Ever Is Over All (1997), en la que camina por una calle típica obsesivamente limpia de Zúrich rompiendo las ventanas de carros en una pantalla yuxtapuesto con disparos de un jardín del país por el otro. Al igual que gran parte de la obra de Rist, I Want to See How You See es seductoramente corporal, a la vez tangible e ilimitada, abierto a muchas interpretaciones. Una de esas posibilidades de interpretación podría estar relacionada con su lazo físico que tiene con su hijo recién nacido y su deseo de entender cómo un bebé puede ver y experimentar el mundo.

Douglas Gordon (Escocés, nacido en 1966)
Over My Shoulder, 13:48 min

Douglas Gordon es el más conocido para instalaciones de cine que ofrecen películas clásicas de directores como Alfred Hitchcock y Martin Scorsese. Gordon extrae y / o secuencias de película alteradas, llamando la atención internacional con su pieza de 1993 24 Hour Psycho, en el cual bajó radicalmente la versión de la película de Hitchcock, se proyecta en una pantalla suspendida para explorar los estados psicológicos y la memoria. Through the Looking Glass (1999), Gordon proyecta la famosa escena con Robert De Niro de Taxi Driver en dos paredes paralelas, con el espectador atrapado en fuegos cruzados. En la entrevista incluida en Point of View, Gordon afirma que él nunca le ha gustado el vídeo, pero que siempre ha estado interesado en el cine, una actitud que comparte con muchos artistas contemporáneos que trabajan con vídeo. Muchos de los trabajos de Gordon se basan en dicotomías-pasión y angustia, el odio y el amor, la seducción y la violencia, la vida y la muerte, la percepción y la memoria. En Over My Shoulder, Gordon utiliza gestos de la mano contra una sábana blanca para comunicar una amplia variedad de emociones, por ahora un cliché cinemático, separarnos de una escena sexual o violenta, sobre todo en las películas de Hollywood de los años 1940 y 50.

Pierre Huyghe (Francia, nacido en 1962)
I Jedi, 5 min

Mientras que los artistas como Douglas Gordon manipulan películas de Hollywood reales, Pierre Huyghe recrea con sus propias películas con actores y sets. Estas representaciones permiten que Huyghe explore cuestiones de la identidad y la memoria, sólo está presente como un subtexto en la película original. Su pieza Remake (1994-95) es una nueva versión de la película de Hitchcock Rear Window que expone la estructura de la película original a través de diversas técnicas de distanciamiento. Muchas de sus obras abordan el territorio entre la realidad y la ficción y la construcción de narrativas. Su proyección de dos canales The Third Memory (1999) toma como punto de partida un atraco a un banco cometido por John Woytowicz en Brooklyn en 1972 que sirvió de base para la película de Sidney Lumet Dog Day Afternoon(1975). Para su proyecto, Huyghe rastreó a Woytowicz. Se reconstruyó el set de la película de Lumet y, utilizando actores no profesionales, le preguntó a Woytowicz para dirigirlos a raíz de su memoria de la delincuencia. La pieza final es una combinación de escenas de la película de Lumet, los ensayos para la película actual, y los tiros del equipo de la película y de la tripulación; esto crea una tercera memoria, que se convierte en una crítica de prueba del espectáculo mediático que lleva a los espectadores a sus propias preguntas sobre el tiempo y la memoria. Abordar problemas similares y que rinde homenaje a Steven Spielberg en I Jedi, Huyghe divide la pantalla en dos, creando un ambiente de suspenso, a la espera de que algo pase.

Francis Alÿs (Belga, nacido en 1959)
El Gringo, 4:12 min

Nacido en Amberes, Francis Alÿs ha vivido en la Ciudad de México desde 1987. Alÿs desarrolla sus obras de arte, principalmente en forma de vídeos , presentaciones de diapositivas, dibujos o pinturas, de las situaciones que se encuentra de paseo por las calles de la Ciudad de México. Un observador atento y manipulador ocasional de las peculiaridades de la vida cotidiana, Alÿs es principalmente interesado en los aspectos fugaces o transitorios de experiencias, adoptando el punto de vista de un transeúnte que es a la vez involucrado y separado. Alÿs sigue la tradición de los situacionistas y los artistas de Fluxus. Basado en la experiencia del artista de vivir en un país extranjero, El Gringo presenta la incomodidad de ser un extraño cuando la cámara se enfrenta a un grupo de perros que gruñen, mientras que, literalmente, la desestabilización de la contemplación cinematográfica.

Anri Sala (Albania, nacido en 1974)
Time after Time, 5:22 min

Anri Sala es parte de un grupo de artistas que emergen de partes de Europa que una vez que se estima existen en el arte europeo contemporáneo mayoritario exterior. Formado como pintor, Sala ha vivido en París desde mediados de la década de 1990, pero creció en Tirana durante la era comunista represiva, siendo testigo del difícil camino de Albania hacia el capitalismo. En los últimos años su trabajo ha recibido mucha atención internacional, incluyendo el Premio del artista joven de la Bienal de Venecia en 2001. Sus fotografías y los vídeos son una mezcla de documentales, narrativas y las autobiografías, en el que explora la relación entre el lenguaje y la imagen, la palabra y la acción, y el hecho histórico difícil de alcanzar. Mientras que sus vídeos anteriores, como Intervista (1998), eran sobre las experiencias individuales que indirectamente revelan acontecimientos socio-políticos, su más reciente trabajo provoca el desprendimiento y la intimidad para coincidir través de una mezcla sutil de la luz, la sombra, y el sonido. Sus imágenes ricas en texturas, se atan con el dolor, la desilusión y la pérdida, estrechamente ligado a una tradición pictórica.

David Claerbout (Belga, nacido en 1969)
Le Moment, 2:44 min

David Claerbout puede contarse entre los más jóvenes talentos de hoy en día en el campo de la producción de videos artísticos . Originalmente se formó como pintor, Claerbout utiliza en sus instalaciones ya sea superposiciones de imágenes estáticas y en movimiento sutilmente proyecciones de video o videos de proyecciones rectas . A menudo, el uso de material de archivo de película existente y la fotografía , Claerbout se refiere a sí mismo "como editor en lugar de un creador". La creación de obras en las que se desentrañó la progresión lineal del tiempo, el artista plantea cuestiones relativas a la fiabilidad de la fotografía en la era digital. En Le Moment Claerbout utiliza técnicas cinematográficas para crear un viaje de suspenso a través de un bosque oscuro sólo para socavar las expectativas de los espectadores puestos en marcha exactamente por las mismas narrativas de estrategias.

Biografías por la Universidad Cornell y el Museo Johnson

Selected Video Works

ArchivadoSe realizó en noviembre 2015
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Despacio

Over the course of one month, Despacio made way for screening a selection of video artworks by international and Costa Rican artists. The solo-presentation of each video has been accompanied by a culinary event, that became an arena for discussion and exchange.

Pensamientos
Información

The program was launched as an open platform for screenings and events on the interface between experimental off-culture and established video artists, as well as artists with almost zero critical history.

Featuring work by

Donna Conlon & Jonathan Harker (Panama)
Fischli & Weiss (Switzerland)
Keren Cytter (Israel)
Alejandro Bonilla Rojas (Costa Rica)
Diego Arias Asch (Costa Rica)
Julian Gallese (Costa Rica)
Alejandro Ramírez (Costa Rica)
Carlos Fernández (Costa Rica)
Habacuc (Costa Rica)
Lucía Madriz (Costa Rica)
Marton Robinson (Costa Rica)
Eva & Franco Mattes (Italy)

The screenings took place from Nov 5 until Dec 12, 2015.

Alfredo CeibalSandino ScheideggerStefan BenchoamY.ES ContemporaryLucas ArevaloAbigail ReyesSimón VegaMauricio EsquivelFire TheoryCrack RodriguezErnesto BautistaMauricio KabistanMelissa GuevaraJavier Ramirez NadieDiego FournierMaria José GuevaraAnna HugoBarbara HoffmannZilla LeuteneggerDavid ShrigleyRonan & Erwan BouroullecBeni BischhofThomas RuffMaya HoffmannBen VautierKarl PawekAndreas ZüstMara ZüstPeter WeberSimon LamunièreBernhard LuginbühlFocus SuizaMario SantizoGabriel RodriguezRonald MoranExhibitionUrs SteinerPro HelvetiaEmbajada de SuizaSwen RenaultArchivo CentralLuca MüllerAdrian MelisSigurdur GudmundssonBethan HuwsHans EijkelboomJulian CharrièreJürgen KrauseJens RischThomas MoorJavier CalvoAnonymous ArtistJay ChungBen LongCamille LaurelliDiego Arias AscheteamFayçal BaghricheFlorence JungIván ArgoteJens SundheimMikko KuorinkiRonald ReyesSasha KurmazThomas GeigerYann VandermeKarin LehmannAnja MajerHabacucRoger MunozPaulette PenjeSebastien VerdonDavid HorvitzFabian BoschungNicolás RobbioNina Beier & Marie LundBenvenuto ChavajayMarton RobinsonCarey YoungAbsence of LogicAbsenceJulien PrévieuxInstituto Tecnológico de Costa RicaUniversidad de Costa RicaJorge de LeónAbsence of Divisionsto be announcedAdriana ArroyoErno HilarionLuis ChavesScreeningDonna ConlonJonathan HarkerFischli & WeissKeren CytterAlejandro Bonilla RojasJulian GalleseAlejandro RamírezCarlos FernándezLucía MadrizMarton RobinsonEva & Franco MattesFabiola CarranzaSophie BarbaschDiana Abi KhalilAlberto Rodríguez CollíaResidenciaAlberto FontFabian NiklausÁlvaro Marenco MarrocchiRosemary MedinaErnesto Jara VargasAyami AwazuharaMatthias DolderAníbal LópezFundación YaxsTamara DíazBienal CentroamericanaAna Lucrecia MuñozAníbal CatalánAudrey HoubenDiego GiannettoniErica Muralles HazbunJason MenaJorge LinaresKevin BaltazarMario Alberto López CruzNuria GüellSergio RojasProyecto 44Hugo QuintoJennifer PaizNora PérezPaulina ZamoraPablo XonáCarolina ArroyoLeonel JuracánEsperanza de LéonLeo HoffmannC.R.A.C.artFrancis AlÿsDavid ClaerboutDouglas GordonGary HillPierre HuygheJoan JonasIsaac JulienWilliam KentridgePaul McCarthyPipilotti RistAnri SalaNew MuseumChus MartínezNicolas LeubaStéphanie SerraNicola TrezziSabrina Röthlisberger BelkacemWalterio IrahetaAdán VallecilloDaros LatinamericaLeonardo GonzálezKaron Sabrina CorralesMuseo del Hombre HondureñoMarcos AgudeloGladioska Garcia SolisJuanita BermudezAlejandro de la GuerraRaúl QuintanillaErnesto SalmerónFederico HerreroSimone HuserJosé Manuel CastrellonJohann WolfschoonAna Elena GaruzSchandra MadhaZoe Sans-Arcidet-LacourtPrinted MatterKeith GrayMax SchumannAaron McLaughlinDavid AntinG. Lucas CraneKayla GuthrieDan GrahamJonas BersSpreadersMatt LuczakAnima ProjectionJustin MeyersAki OndaDenise de la CerdaAlan SondheimMiekalCat LauiganMatt BrownellJulia MurilloAllora & CalzadillaAlejandro Almanza PeredaSol CaleroLuis CamnitzerAlfredo JaarRegina José GalindoTeresa MargollesRivane NeuenschwanderYoshua OkónLiliana PorterGabriel SierraNaufus Ramírez-FigueroaHanne LippardAna AlensoDeborah CastilloMichele Di MennaAude LevèreDafna MaimonEleanore PientaThe Pizza Suicide ClubTercerunquintoCorina HeinPaula PiedraMarlena WaldthausenPriscila GómezFotografíaErina LibertadAlejandro Ramirez SalasYamil de la Paz GarcíaJohan PhillipsPerformanceSergio Rojas ChavesMimian HsuAndres GudiñobailetheatroOscar Ruiz SchmidtOlman TorresSonsoles LozanoOsvaldo BaldiFelipe Huertas OviedoJuan de la Cruz CaliváNatalea SotoObra GrisRebeca AriasLores de SousaCarlos HurtadoDanilo ReubenFabrizio ArrietaPablo CambroneroCarla SaboríoSeniorita PolyesterIngrid CorderoJose DíazElisa Bergel MeloLeo UreñaNueva FotografíaJuliette ChrétienPablo Marcus BienCamila Garon OrellanaDino RealElyla SinvergüenzaPaula KupferCharly Le PoissonnierOlivier AubertinMonsieur BienRoberto ChavesjardinKarlo Andrei IbarraIgnasi AballíSite-Specific Art
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